CINEMA TAIWANAIS: deux conférences

par Monique Abud · 22 septembre 2023

Le CECMC organise deux conférences sur le cinéma taïwanais, données par deux chercheurs invités, Emily Yueh-yu YEH et Darrell William DAVIS (Lingnan University, Hong Kong). La discussion sera conduite par Anne Kerlan (CNRS, CCJ-CECMC).

1) Film by Film Reflections on Canons, Curation, and Scholarship

Taiwan cinema has a secure place in film festivals, auteur criticism, and theory. Taiwan directors are well known globally, and this opens avenues for scholars to introduce relatively neglected, marginalised or overlooked films. This was a key motivation in publishing 32 New Takes on Taiwan Cinema (University of Michigan Press, 2022): to expose new films, new directors and new topics in the shaping of Taiwan film culture. We identified and defended criteria for inclusion in this book, such as a film’s reputation in and outside Taiwan; a film’s place in a director’s oeuvre; a film’s importance to the industry. Above all, we hope this edited volume would expand canon of Taiwan cinema to include new, alternative candidates and would change the appearance and substance of this cinematic treasury.

  • Intervenante : Emilie Yueh-yu Yeh, Lam Wong Yiu Wah Chair Professor of Visual Studies and Director of Film and Creative Industries, Lingnan University, Hong Kong. 
  • Discutante : Anne Kerlan (CNRS, CCJ-CECMC)

2) Uses of Puppets: Receptacles of Agency

Using the puppetry conceit Darrell W. Davis will discuss the issue of artists in wartime, centering on East Asian talent, agency, and culpability:

Hou Hsiao-hsien’s 1993 film The Puppetmaster introduces issues of causality, determinism, and narrative fate with its “cosmic” employments of Li Tianlu, a transcendent yet matter-of-fact artist in tune with otherworldly forces.

Li Xianglan’s early musical talent was put to work on behalf of Greater East Asia Film Sphere, via Man’ei, the Manchurian Film Association. Manchukuo was called a puppet state; Li Xianglan (Yamaguchi Yoshiko or Ri Koran) can be heard as puppet singer who literally vocalizes a pan-Asian co-prosperity uniting different and sometimes dissonant forces.

  • Intervenant : Darrell William Davis (PhD, University of Wisconsin-Madison). He is Honorary Professor in the Department of Digital Arts and Creative Industries, Lingnan University, Hong Kong. His main area is East Asian cinema and media industries.
  • Discutante : Anne Kerlan (CNRS, CCJ-CECMC)

Des extraits de films seront projetés au cours de la séance.

Date et horaire: Jeudi 12 octobre 2023 – 14:00 – 17:00

Entretien avec WANG BING (Fondation Hugot du Collège de France)

Dans cet entretien filmé le 5 mai 2022 à la Fondation Hugot du Collège de France à l’initiative de sa directrice, Florence Terrasse Riou, Wang Bing parle librement et intensément de sa conception de l’art, de son rapport au cinéma et à la littérature chinoise, ainsi que de son enfance, notamment à propos de son film « L’homme sans nom ». Il est entouré de sa productrice et proche collaboratrice Kong Lihong, de sa traductrice et interprète Pascale Wei-Guinot, d’Anne Kerlan, directrice de recherche au CNRS et historienne du cinéma chinois, et d’Anne Cheng, titulaire de la Chaire d’histoire intellectuelle de la Chine au Collège de France.

Production : Fondation Hugot du Collège de France

Productrice déléguée : Florence Terrasse-Riou

Réalisation : Prova Films

Sous-titrage français : Pascale Wei-Guinot

Entretien enregistré le 5 avril 2022 dans le studio de la Fondation Hugot du Collège de France

Pour voir l’entretien, c’est ici

Delphine Vomscheid (Université Paris Cité, CRCAO – Équipe Japon)

“Représentations de l’espace urbain dans le Japon d’Edo (XVIIe – XIXe siècles)”

Mercredi 4 JANVIER 2023, à partir de 14:30

Au Japon, l’époque d’Edo (1603-1867) est celle d’un important développement urbain. Les villes, en particulier celles qui s’étendent au pied des châteaux seigneuriaux, deviennent des centres économiques, culturels et politiques d’un dynamisme jamais atteint. Dans ce contexte, la représentation de l’espace urbain porte différents enjeux et prend plusieurs formes. Nous verrons dans cette intervention le rôle de ces images, dans un contexte de maîtrise du territoire et de défense militaire, ainsi que leurs différents supports (cartes, peintures, paravents, etc.), motifs (scènes de vie quotidienne, activités économiques, etc.) et modes de représentation (plan, axonométrie, etc.).

Usages de l’espace dans la peinture narrative japonaise

Delphine Mulard (Docteure en histoire de l’art japonais ; enseignant-chercheur contractuelle, département des études japonaises, faculté des langues, Université de Strasbourg)

Mercredi 7 décembre 2022, 15h30-17h30

Comment l’espace peut-il servir la narration dans une peinture ou au contraire entrer en conflit avec cette dernière ?

Au Japon, c’est au XIIe siècle, à travers les premiers rouleaux à peinture et à compositions continues qu’une diversité de réponses se profile afin d’utiliser l’espace au sein d’un propos narratif ou tout au moins de négocier le conflit pouvant exister entre la cohérence de l’espace d’une part, et celle de la narration d’autre part. Cette réflexion se poursuivra à l’époque médiévale à travers les peintures de paravent.

Notre exposé n’est pas, à proprement parler, un exposé de recherches, car nous ne traitons pas directement de l’espace dans nos travaux. Cependant, lire l’espace et comprendre comment il organise l’image dans le monde japonais classique permet de décrypter ces dernières, tout particulièrement lorsque l’on se penche sur des œuvres anonymes et peu connues dont les scènes sont encore à identifier. Cette présentation visera, à travers une réflexion portée sur l’espace, à donner des clés de compréhension permettant d’analyser des images, et ainsi de lire ces dernières.

Nous orienterons notre propos en trois temps :

Dans un premier volet, nous présenterons des exemples de grands rouleaux narratifs japonais des XIIe et XIIIe siècles et leurs manières de mêler la représentation cohérente d’un espace avec les exigences de la narration. Cette présentation se basera pour beaucoup sur les travaux de recherches d’Estelle Bauer.

Puis, nous irons nous interroger sur la manière dont est géré l’espace d’une peinture narrative dès lors que cette dernière quitte l’espace plutôt confidentiel d’une peinture sur rouleau horizontal, d’une trentaine de cm de hauteur et de plusieurs mètres de long, pour venir occuper les grandes surfaces des paravents médiévaux et prémodernes.

Enfin, dans une dernière partie, nous exposerons comment l’usage de l’espace s’est standardisé dans les images narratives de l’époque prémoderne (XVIIe-XIXe siècle). A travers des œuvres illustrant des récits faisant partie de notre corpus d’études (Bunshô le saunier, Ondée) nous exposerons comment lire l’espace permet d’identifier les scènes et les personnages mais aussi, à l’inverse, comment la mauvaise gestion de l’espace par les peintres mène à certaines incompréhensions.

Paintings in the History of China of Rashīd al-Dīn’s Compendium of Chronicles

Tomoko IEUJI-MASUYA (Université de Tokyo), Professeure invitée à l’EHESS

Mercredi 16 novembre 2022, 15h30-17h30

Rashīd al-Dīn, vizier to the Ilkhanid Mongol rulers of Iran and Iraq in the late thirteenth to early fourteenth centuries, compiled the universal history entitled Jāmi‘ al-tavārīkh (Compendium of Chronicles). This talk will examine the portraits of Chinese emperors in the History of China in three manuscripts of the Jāmi‘ al-tavārīkh from the fourteenth and fifteenth centuries and suggest how the portraits were added in them.

Les monastères des femmes au palais et les images bouddhiques de cour : deux espaces de résistance et d’influence en Corée (1309-1597)

19 octobre : Bryan Sauvadet (CCJ-CRC, EHESS/Université Paris Cité)

(L’un des monastères des femmes au palais) Le culte du Bouddha au palais, XVe-XVIe siècle, encre et pigments sur soie, 46.5 x 91.4 cm, Musée d’art Samsung Leeum, Séoul

En 1400, le roi T’aejong 太宗 (r. 1400-1422) lance une grande réforme anti-bouddhique comme jamais la péninsule coréenne n’ait connu jusqu’alors. Le Bouddhisme qui jouissait du statut de religion protectrice du royaume 護國佛敎 (cor. hoguk pulgyo) se voit dès lors ostracisé. Ce tournant majeur touche à la fois le domaine religieux, avec notamment la destruction de tous les monastères dans les villes, mais aussi les domaines de l’art et de l’artisanat. Alors qu’au cours des périodes précédentes, les commanditaires des œuvres bouddhiques étaient de profils divers (moines, élites de cour, militaires, …), après la politique anti-bouddhique, seules les femmes de cour (reines, princesses, concubines et religieuses) sont en mesure de commanditer, financer et exposer des images bouddhiques. Elles le font dans les monastères des femmes de cour : le Monastère du Pur karma淨業院 (cor. Chŏngŏbwŏn) et le Palais de la longue vie charitable 慈壽宮 (cor. Chasugung). Nous verrons comment les monastères des femmes de cour, du fait de leur relative autonomie au sein du palais, furent les lieux centraux du développement de l’art bouddhique de cour en Corée, jusqu’à leur destruction lors des invasions japonaises en 1597. Puis, nous montrerons comment les femmes de cour, à travers leur commande des images, influencèrent l’évolution picturale pour faire des œuvres bouddhiques des supports d’un discours de défense du Bouddhisme et d’un discours genré de légitimation de leur place au palais.

« Entre ascension sociale et diplomatie: les jardins de marchands Hong à Canton »

2 novembre 2022 Josepha Richard (Courtauld Institute of Art)

Dans sa définition traditionnelle, le Sud chinois est généralement entendu comme celui du Jiangnan, la région où les lettrés chinois vivaient nombreux et où une grande partie des jardins célèbres furent construits. Cependant, ce séminaire se concentrera sur le ‘vrai’ Sud : l’ancienne région du Lingnan, qui fut au cœur de deux royaumes indépendants, et plus particulièrement sur sa capitale Guangzhou (Canton) à la période moderne.  Anciennement connectée au Sud-Est asiatique du fait de sa position maritime, aux XVIIIe et XIXe siècles, Canton a connu une croissance économique et culturelle fulgurante avant de devenir la victime des deux guerres de l’opium. Nous explorerons le paysage marchand de Canton, et plus particulièrement les jardins, à travers différents médias comme les peintures d’exportation ou des photographies.

Histoire de la culture visuelle en Asie orientale : Espaces (3ème année) PROGRAMME 2022-2023

du 19 octobre 2022 au 15 février 2023 : 1er et 3e mercredi du mois

14:30-15:30 : pour les étudiants inscrits pour la validation uniquement

15h30-17h30 : ouvert à tous.

EHESS, 2 cours des humanités 93 300 Aubervilliers. Salle A 302

Les interventions des invités commencent à 15h30 sauf mention contraire

19 octobre : Bryan Sauvadet (CCJ-CRC, EHESS/Université Paris Cité), « Les monastères des femmes au palais et les images bouddhiques de cour: deux espaces de résistance et d’influence en Corée (1309-1597) »

2 novembre : Josepha Richard (Courtauld Institute of Art, à distance), « Entre ascension sociale et diplomatie: les jardins de marchands Hong à Canton »

16 novembre : Tomoko Masuya (University of Tokyo · Institute for Advanced Studies on Asia), “Paintings in the History of China of Rashīd al-Dīn’s Compendium of Chronicles”

7 décembre : Delphine Mulard (Université de Strasbourg, à distance), « Usage de l’espace dans la peinture narrative japonaise »

4 janvier 14h30 :  séance autour des cartes en Chine et au Japon, démarrant à 14h30 pour tous : Delphine Vomscheid (Université Paris Cité, CRCAO), « Représentations de l’espace urbain dans le Japon d’Edo (XVIIe – XIXe siècles) » ; Michela Bussotti (EFEO, CCJ-CECMC), « Une autre vision du monde : le premier atlas chinois arrivé en Europe (vers 1600) »

18 janvier : Flora Lichaa (Université Rennes 2 / ERIMIT), « Les espaces de la parole dans le documentaire indépendant chinois »

1er février : Koen de Ceuster (Leiden University Institute for Area Studies), « Réalisme et réalité dans l’art nord-coréen »

15 février : Eric Lefebvre (Musée Cernuschi), « Les monts Huangshan vus par les peintres du XVIIe siècle au XXe siècle »

Télécharger le programme ici

Compte-rendu de l’intervention de Nicolas Pinet du 16 février 2022: La représentation des classes et quartiers populaires dans le cinéma japonais (1920-2020): essai de mise en perspective historique.

Rédigé par Ulysse Jaulin, master 1,Études Asiatiques

Nicolas Pinet, docteur en Sociologie, entre autres spécialisé dans la sociohistoire des quartiers d’habitat social en France et au Japon, nous a présenté le 16 février 2022 une partie de ses recherches, plus particulièrement celles portant sur les films japonais dont l’histoire se déroule à Tōkyō dans les quartiers populaires et mettant en scène les classes populaires. Celles-ci se caractérisent, selon Olivier Schwartz1, par une position sociale dominée et une forme de séparation culturelle, c’est-à-dire un éloignement relatif vis-à-vis de la culture et des modes de vies des classes moyennes et supérieures. Les classes populaires françaises n’ont pas d’équivalence terminologique dans la société japonaise, où l’on retrouve tout de même des quartiers populaires, notamment le quartier populaire (Shitamachi 下町) de Tōkyō. Ce quartier situé dans la ville basse regroupe des propriétaires, commerçants, ouvriers ou artisans, et se distingue traditionnellement de la ville haute (Yamanote 山の手), habitée par les samouraïs, qui était moins soumise aux risques d’inondations. Le fleuve de la Sumida, qui traverse la ville, est la principale démarcation entre les deux quartiers et un symbole récurrent des films sur les classes populaires japonaises. De même, la très forte industrialisation du Japon au cours du XXe siècle va faire pousser dans le Shitamachi de nombreuses usines et leurs cheminées, que l’on retrouve dans ces films.


SUZUKI Shigekichi,
Le geste inexpliqué de Sumiko, 1930. Doï inspectant les affaires de Sumiko pour y glisser une pièce d’argent alors qu’elle dort.

Les années 1929-1931 au Japon sont caractérisées par de fortes mobilisations sociales à l’encontre des propriétaires. Les classes populaires jouent ainsi un rôle important dans la société japonaise, ce qui conduit les réalisateurs à leur accorder une place privilégiée dans de nombreux films. En parallèle, la Révolution russe (1917-1921) va faire prendre de l’ampleur aux contestations, notamment au mouvement prolétarien, dont les idées vont être relayées dans la littérature, puis au cinéma. Les films issus de ce mouvement traitent généralement d’histoires d’amour ou d’histoires d’exploitations, sur fond de lutte des classes. Malgré la frilosité initiale des sociétés de production et l’importance de la censure, ces films vont connaître un réel succès commercial, qui va favoriser leur prolifération. Parmi les principaux films prolétariens de l’époque, on retrouve Le geste inexpliqué de Sumiko, de Suzuki Shigeyoshi 鈴木重吉 (1900-1976). Ce film retrace la vie d’une jeune prolétaire, Sumiko, qui souhaite pouvoir étudier à l’école, mais une série de drames personnels vont l’en empêcher. Dès le début du film, Sumiko est recueillie par un conducteur de pousse-pousse, Doï, qui se révèle être l’une des personnes les plus bienveillantes que rencontre la protagoniste sur sa route. Cependant, le réalisateur joue sur la suspicion du spectateur vis-à-vis des classes populaires, en laissant supposer dans une scène que Doï vole le contenu de la bourse de Sumiko, alors qu’en réalité il y avait glissé une pièce d’argent. L’objectif du réalisateur est de déconstruire les préjugés existants à l’encontre des classes populaires, avec succès puisque cette œuvre va devenir le film muet le plus vu au cinéma durant cette période.

Cependant, le poids de la censure va s’accentuer progressivement et rendre la création des films prolétariens plus difficile à partir de 1931. C’est également le moment de l’invasion de la Mandchourie par l’armée japonaise, le 19 septembre, qui va avoir pour effet d’apaiser les tensions sociales, au profit de l’éclosion d’un sentiment nationaliste.

La seconde période présentée par Nicolas Pinet s’étend sur les années 1950. Le Japon est alors occupé par les Américains, qui vont initier une série de réformes démocratiques (droit de vote des femmes, nouvelle Constitution…). C’est aussi un moment où émergent des conflits sociaux et politiques majeurs, dont le plus symbolique est la grève de la mine de Miike (1949-1950).

Cependant, le pays est poussé par son occupant à devenir un allié opposé aux communistes, ce qui conduit à la Purge des rouges (1949-1952) qui touche aussi les studios de cinéma. On assiste alors à l’apparition de studios indépendants, notamment la Compagnie de la nouvelle étoile, mais la distribution des films étant gérée par les réseaux propres des studios, il est très difficile d’exister pour ces organismes indépendants. Cela ouvre la voie à de nouvelles formes de financements. Par exemple, la production du film, Nous sommes vivants en 1951 d’Imai Tadashi 今井正 (1912-1991), est possible grâce à une collecte de fonds. Ces films constituent une caisse de résonance des sujets socio-politiques de l’époque, avec un engagement réel des réalisateurs, notamment de ceux politiquement à gauche qui ont recours aux studios indépendants.

Par ailleurs, les années 1950 sont une période de renforcement du sentiment de classe. Selon un sondage de 1955, 74% de l’échantillon masculin se considère comme appartenant à la « classe ouvrière ». L’ensemble de ces facteurs vont permettre augmentation de la production de films qui mettent en scène les classes populaires, nombre d’entre eux évoquant par exemple la situation dans les mines.

On retrouve également les marqueurs du Shitamachi dans les films des années 1950, avec une forte présence des ponts, rivières, trains, qui sont des sortes de topoi de la représentation des quartiers populaires. Les bords de rivières n’étant pas constructibles, car inondables, ils sont donc transformés en zones de cultures. Ils sont eux aussi couramment représentés dans les films sur les classes populaires de l’époque.

La troisième période se déroule pendant les années 1960, durant lesquelles le Japon voit exploser son niveau d’industrialisation et de productivité. À cette époque, moins de personnes s’identifient aux classes populaires. Un sondage à la méthode discutable évoque 90% de classes moyennes, chiffre largement diffusé par les médias japonais. Le Japon se perçoit comme un pays de classe moyenne. Le cinéma va donc suivre cette tendance qui va conduire à une invisibilisation des classes populaires. Cela s’accompagne d’une perte de pouvoir des syndicats au sein de la société japonaise. Dans les années 1970, les mouvements sociaux les plus remarqués sont ceux des étudiants, plus que ceux des classes populaires. Le modèle japonais devient le col blanc : plus on avance dans les années 1970, plus ceux n’arrivant pas à accéder à ce statut sont mis à la marge de la société.

L’ancienne génération de réalisateurs engagés, très présente dans les périodes précédentes, va cependant continuer sa production artistique revendicatrice. C’est le cas d’Imai Tadashi, qui produit en 1969 deux films sur les Burakunin 部落民 (minorité marginalisée du fait de leurs métiers considérés comme « impurs », car en lien avec le sang) : La rivière sans pont I et II. Yamanoto Satsuo 山本 薩夫 (1910-1983) alterne quant à lui les films sur des thèmes consensuels pour les studios, notamment sur les samouraïs, et les films engagés qui ne sont produits que dans des studios indépendants.

Une nouvelle vague de réalisateurs émerge également durant les années 1970, parmi lesquels figure Yamada Yōji 山田洋次 (1931-), auteur de 48 films mettant en scène le personnage de Tora-san 寅さん, vagabond exubérant et naïf qui ne se reconnaît pas dans une société en pleine mutation. Ces films connaissent un véritable succès, malgré des réticences d’une partie de l’opinion, qui les considère comme vulgaires. Le premier d’entre eux, C’est dur d’être un homme, réalisé en 1969, propose une représentationtrès positive du Shitamachi. On y retrouve la présence des bords de rivière, mais aussi des fêtes de quartier (Matsuri 祭り) qui sont très dynamiques dans les quartiers populaires, encore aujourd’hui. Le film traite également de l’industrialisation du Japon avec l’arrivée de grandes entreprises, en mettant en opposition le monde traditionnel et la modernité, tout en se plaçant du point de vue du Shitamachi. Si Tora-san a eu autant de succès, c’est sans doute à cause de la modernisation très rapide du Japon : revoir le Shitamachi et le Japon traditionnel avait l’effet d’une madeleine de Proust pour une partie importante des Japonais.

Enfin, la dernière période présentée par Nicolas Pinet s’étend sur la durée des années 1990. C’est le début d’une crise économique au Japon, avec l’explosion de la bulle spéculative et la fin de la haute croissance. Les Japonais redécouvrent alors les inégalités, qui vont dès lors remplacer les classes populaires en tant que thématique centrale dans le cinéma. De plus en plus de films engagés vont être produits dans les studios traditionnels, même si les plus virulents sont encore ceux réalisé par les studios indépendants. Ainsi, Sasabe Kiyoshi 佐々部清 (1958) aborde de façon récurrente la thématique des classes populaires, en l’abordant d’un point de vue politique. C’est le cas avec Tokyō nanmin en 2014, dans lequel il traite de la situation des sans-abris au Japon, une thématique jamais abordée au cinéma, si l’on excepte ce film. L’histoire retrace de la vie d’un jeune étudiant, dont le père, criblé de dettes, disparaît. Il perd alors son logement, ne peut plus payer l’université et est contraint de dormir dans les cafés-internet ou manga-cafés pour être au chaud sans dépenser trop d’argent. Il est ensuite retrouvé par la mafia qui le passe à tabac puis est recueilli par des sans-abris qui vont le soigner et l’associer à leurs travaux (collecte de canettes, de papier…).


Kioshi Atsumi, acteur de Tora-san dans la série de films C’est dur d’être un homme de Yamada Yōji.

Au cours de cette dernière période de présence des classes populaires au cinéma, le retour des films sociaux n’a pas d’impact sur les décisions politiques. Les films permettent une valorisation symbolique des classes populaires sans effet concret sur les conditions de vie de celles-ci. C’est ce qui les différencie des films des années 1920 et 1950, quand le cinéma se donnait pour objectif d’initier des progrès socio-économiques pour la population en accentuant la pression sur le pouvoir politique.

1 Olivier Schwartz, « Peut-on parler des classes populaires ? », La Vie des idées, 13 septembre 2011, ISSN ; 2105-3030. URL : https://laviedesidees.fr/Peut-on-parler-des-classes.html

Compte rendu de l’exposition « Peindre hors du monde : Moines et lettrés des dynasties Ming et Qing – Collection Chih Lo Lou »

Musée Cernuschi, du 05/11/21 au 06/03/22

Léo BAILLEUL, Master 2 Études Asiatiques

Du 5 novembre 2021 au 6 mars 2022 s’est tenue au Musée Cernuschi, musée des arts de l’Asie de la ville de Paris, une exposition intitulée « Peindre hors du monde : Moines et lettrés des dynasties Ming et Qing ». Réalisée conjointement avec le musée d’art de Hong Kong, cette exposition dévoile pour la première fois dans un musée européen une centaine de peintures et calligraphies chinoises des dynasties Ming (1368-1644) et Qing (1644-1911) issues de la collection Chih Lo Lou, « le pavillon de la félicité parfaite ».

Le commissariat regroupe les directeurs du musée Cernuschi et du musée d’art de Hong Kong, Éric Lefèvre et Maria Mok, ainsi que les conservateurs en chef des deux musées, Mael Bellec, Yuen-kit Szeto et Hing-sun Tang et avec l’appui de Cédric Laurent, professeur à l’université de Rennes 2, comme conseiller scientifique.

Peinture de Shi Tao, image sur le site de l’exposition: https://www.cernuschi.paris.fr/sites/default/files/styles/1170x640_scale_crop/public/content/images/shitao_1642-1707_-_peintures_dapres_les_poemes_de_huang_yanlu_feuille_ndeg18_date_1701-1702_c_musee_dart_de_hong-kong.jpg?itok=dzLc8Tjl&c=e873c92c04ef13e9f05cb559bcb63870

Réunies par le collectionneur et philanthrope Ho Iu-kwong (1907-2006), ces œuvres issues d’une dotation posthume au musée d’art de Kong Kong en 2018, nous proposent de voyager dans une période historique de transition dynastique principalement à travers des peintures de paysage et calligraphies chinoises. En portant une attention particulière à l’intégrité morale des peintres et des calligraphes, la collection Chih Lo Lou est aujourd’hui l’une des plus importantes collections privées comportant des œuvres de peintres dits loyalistes, fidèles et nostalgiques des Ming et en opposition au nouveau régime mandchou des Qing. Ce choix voulu par le collectionneur permet alors d’esquisser une histoire de la peinture chinoise qui entremêle dans cette exposition un contexte politique troublé et complexe à des calligraphies et peintures de paysages de retraite et « hors du monde ».

            L’exposition nous permet en premier lieu de mieux saisir l’influence majeure de la figure de Dong Qichang 董其昌 (1555-1636) dont quelques peintures sont présentées au public. Fondateur des premières généalogies stylistiques des peintres des anciennes dynasties, ce haut fonctionnaire et collectionneur va alors faire émerger des modèles et ériger certains artistes du passé au rang de maître. Les œuvres de Shen Zhou 沈周 (1427-1509) et Wen Zhengming 文徵明 (1470-1559) de l’école des Wu, présentées au début de l’exposition, incarnent cette intronisation, car elles appellent à une retraite hors du monde au sein des montagnes. On retrouvera l’influence de Dong Qichang chez de nombreux peintres comme les quatre Wang. Ces quatre artistes originaires de la région du Jiangsu et actifs au début du règne des Qing vont développer les théories de Dong Qichang et vont faire émerger un art éclectique qui convoque une histoire savante et littéraire et qui s’inspire des anciennes dynasties. Ils refléteront notamment au travers de leurs œuvres une grande admiration pour Huang Gongwang 黃公望, (1269-1354) l’un des maîtres de la dynastie Yuan.

Allusions philosophiques, poétiques, spirituelles et religieuses se mêlent alors dans le genre du paysage au cabinet d’étude qui représente le lettré au sein de sa résidence dans les montagnes ou dans son jardin. Cela permet au peintre de témoigner d’une volonté de retrait du monde tout en mettant en valeur son érudition. Certains peintres comme Lan Ying 蓝 瑛 (1585-1664), dont douze rouleaux verticaux monumentaux sont présentés dans l’exposition, n’hésitent d’ailleurs pas à inscrire dans leurs colophons de quel autre peintre ils se sont inspirés pour réaliser ces paysages. Pour souligner le lien intangible entre peinture et calligraphie chez les lettrés chinois, l’exposition nous présente aussi certaines calligraphies qui témoignent des bouleversements politiques de l’époque. Il est intéressant de constater que c’est davantage dans leurs formes que dans leur contenu que les calligraphies présentées expriment le mieux la place des lettrés dans les transformations politiques des Qing. C’est notamment le cas avec le développement de l’écriture dite cursive ou semi-cursive.

Cette graphie va être le reflet d’une expression personnelle plus forte grâce à une impression de spontanéité dans le geste. Le recours de longs rouleaux verticaux va aussi permettre à la calligraphie d’être lue en un seul regard plutôt qu’être déroulée section après section, comme dans un rouleau horizontal. La scénographie de l’exposition permet de bien mettre en évidence l’influence de la calligraphie et du trait de pinceau sur la manière de représenter le paysage comme en témoignent les œuvres de Huang Daozhou 黃道周 (1585-1646). Certains hauts fonctionnaires qui ont servi les Ming n’avaient néanmoins pas la confiance des autorités mandchoues et même s’ils servaient le nouveau régime, leur rôle et responsabilité étaient amoindris. C’est pourquoi cela a pu favoriser une tendance à la créativité dans chez ces calligraphes et une volonté de renforcer l’envie de collectionner les œuvres du passé. Huang Daozhou finira par être exécuté pour avoir refusé de se plier au nouveau régime et d’autres comme Zou Zhilin 鄒之麟 (1574-1654), car chinois, décideront de ne pas mentionner le règne en cours sur leurs peintures en guise de protestation.

            Refusant de se soumettre aux autorités mandchoues, une partie d’entre eux préfère s’exiler dans une retraite spirituelle au sein des montagnes pour se consacrer aux peintures de paysage (shanshui 山水). L’exposition insiste alors sur l’évocation de ces paysages qui ne reflètent pas toujours le réel en intégrant des imaginaires multiples, littéraires, poétiques et nostalgiques. Davantage qu’un lieu réel, ce type de paysage permet d’exprimer, selon des modes de compositions, des références à des classiques, des réinterprétations, voire des déclinaisons. C’est ainsi un jeu de connaisseur que de reconnaître ces références. Bien qu’il y ait une portée spirituelle dans ces paysages, cet art de la citation ne porte pas moins de messages politiques liés aux raisons mêmes de l’érémitisme. Les nombreuses reprises du texte de « La Source des Fleurs de Pêchers » (Taohuayuan 桃花源), par exemple, nous racontent l’histoire d’un pêcheur qui, en se perdant, retrouve une dynastie disparue au sein des montagnes.

Ces clins d’œil politiques se reflètent aussi des métaphores picturales : représenter un arbre ou une plante est une façon de faire des analogies avec les tourments humains liés à cet isolement forcé. Cet attrait pour la montagne se cristallise particulièrement autour des monts Huang 黃山 (Les Monts jaunes), lieux de retraite épargnés par les armées mandchoues, qui incarnent l’image de la loyauté. Les textes et peintures de Mei Qing 梅清 (1624-1697) ou de Hongren 弘仁 (1610-1664) en font l’éloge pour leur beauté, au point d’aller jusqu’à développer les prémices d’un tourisme culturel.

Tous n’étaient pourtant pas de purs loyalistes et continuaient à fréquenter les villes. Malgré les divergences politiques, ces peintres continuaient de se côtoyer comme en témoigne l’exemple de Bada Shanren 八大山人 (Zhu Da 朱耷, 1626-1705) et Shitao 石涛 (1642-1707), où l’un est loyaliste tandis que l’autre a servi les Qing. Descendant tous deux de la même famille impériale Ming et partageant une même culture bouddhiste ils continuent d’échanger souvent même si leurs styles et sujets de peinture sont différents.

C’est pourquoi la dernière partie de l’exposition souligne l’importance des liens entre les personnalités et de l’importance des villes, comme Nanjing, ou d’une même région dont les traces évoquées subsistent dans les inscriptions et les sceaux apposés sur les œuvres. Les circulations et les liens sociaux des artistes au sein des villes comme des montagnes sont donc primordiaux pour leur carrière et seront déterminants pour les collections qu’ils seront amenés à consulter. Ainsi nous pouvons retrouver aussi des œuvres inspirées par l’art de la gravure : Xiao Yuncong 蕭雲從 (1596-1669), dans ses petits paysages colorés et anguleux, en est le parfait exemple.

            Cette exposition qui se veut pédagogique et accessible nous permet donc une déambulation dans une période particulière de l’art chinois. En multipliant les références aux peintres d’anciennes dynasties dans des peintures d’une période historique troublée, la collection Chih Lo Lou se révèle être une excellente introduction, voire une forme de synthèse de la peinture chinoise. Les traductions des textes calligraphiques et les efforts didactiques de la scénographie nous permettent aisément de nous immerger dans les œuvres et nous donnent les clefs pour une compréhension totale de cette production. Ainsi l’exposition nous propose plusieurs lectures, esthétique, historique et politique qui peuvent séduire l’amateur, le curieux comme le connaisseur.

Compte-rendu de séance: « Light, Heat, Power » : La publicité lumineuse et l’invention du paysage nocturne à Shanghai dans la première moitié du XXème siècle.

2 mars 2022, présentation de Cécile Armand, chercheuse postdoctorante à l’Université d’Aix-Marseille

Compte-rendu de Louise Adnet, EHESS – M1 Histoire

Dans Minuit, le roman de Mao Dun 茅盾 (1896 – 1981), le néon est vu comme l’incarnation de la modernité industrielle et devient, au XXe siècle, un topos de la littérature. En Chine, le néon est tout à la fois célébré et fonctionne comme un repoussoir, en représentant le triomphe des pouvoirs impérialistes. Dans cette présentation, Cécile Armand étudie le néon en tant qu’objet social et complète la recherche initiée par l’histoire sociale et l’histoire des représentations sur la publicité lumineuse.
         Elle se demande donc quelles sont les spécificités du néon face aux autres formes de publicité lumineuse tout en tâchant d’expliquer sa popularité et sa longévité. D’où vient le néon ? Pourquoi s’est-il développé, en particulier à Shanghai ? Comment les néons contribuent-t-il à l’identité de l’environnement urbain ? Qui les installe et qui les utilise ?
         Les sources choisies par Cécile Armand sont de trois sortes. Elles se composent des archives municipales de Shanghai (les correspondances entre les administrations, les demandes de permis, les barèmes de taxes, les croquis et plans des artefacts et les relevés d’enseignes), de photographies de rue (difficiles à dater et à localiser, mais qui permettent de se faire une idée de la perception quotidienne des enseignes lumineuses) et d’articles issus de la presse locale, avec notamment des reportages et des débats qui révèlent les opinions des personnes ordinaires (ici, les journalistes).

  • La publicité lumineuse avant les néons

         De 1907 à 1920, dans la concession internationale de Shanghai, on use de différentes sources de lumière : du gaz, du pétrole et plus tardivement de l’électricité (les premiers réseaux datant des années 1880). Les lampes sont de formes et de dimensions variées et leurs usages sont destinés à la consommation. On les retrouve dans les salles de divertissement, au théâtre, au cinéma, dans les boutiques de luxe et les magasins de musique et dans les quartiers les plus animés. La publicité lumineuse se concentre dans les concessions étrangères, fréquentées par les élites occidentales et chinoises. Cependant, ces lampes débordent souvent sur la voie publique. Les autorités, et notamment le Shanghai Municipal Council, qui dirige la concession internationale, prennent rapidement des mesures et instaurent des taxes et des permis relatifs à l’installation des lampes.

         Après la Première Guerre Mondiale, de 1920 à 1930, on assiste au développement des projections lumineuses, des publicités projetées sur la façade d’un bâtiment ou sur un écran installé sur des balcons. Les méthodes de projection sont nombreuses (lanternes magiques, stéréoscopes, lumières clignotantes, « transmutographes »). Les bâtiments choisis sont de nouveau ceux destinés à la vente. On observe à cette époque un début d’extension vers l’ouest de la concession, au niveau du champ de courses de Shanghai. Les projections lumineuses posent un problème d’investissement (seules quelques multinationales peuvent les acheter) et troublent l’ordre public. Elles créent en effet des attroupements qui gênent la circulation et entraînent des risques d’incendie. Si, au début, les projections lumineuses ne permettent que les images fixes, elles autorisent bientôt les images en mouvement (avec, en moyenne, quatre images par minute). Au départ, elles sont seulement utilisées la nuit, c’est-à-dire à partir de dix-sept heures ; mais progressivement, les autorités se montrent tolérantes et autorisent leur usage la journée.

         À partir de 1930, le transmutographe, qui projette des annonces intercalées entre des publicités,  apparaît en Chine. Déjà utilisé en Europe et aux États-Unis, c’est un appareil rare, qui nécessite un investissement considérable. Un entrepreneur américain propose d’installer un appareil au bord du champ de courses de Shanghai et prévoit de le projeter de jour. Le transmutographe fait d’abord forte impression, mais son succès s’estompe rapidement en raison de problèmes techniques. Le rythme des messages s’accélère arbitrairement, ce qui les rend incompréhensibles, des mots se superposent… Puisque l’appareil est imposant, l’effet de ridicule est décuplé.

  Au début des années 1930, on observe l’apparition du mobilier éclairé, qui profite du développement du réseau urbain et de la densification des voies de communication. Cependant, ces objets ne parviennent pas à dépasser le stade de l’expérimentation, car ils posent un problème d’encombrement. On les abandonne donc rapidement. En outre, en 1940, le flood light, un mode d’éclairage indirect, qui projette à partir du bâtiment d’en face, apparaît, mais se limite aux espaces périphériques (il concerne les stations-service ou les garages automobiles).

La publicité lumineuse, avant le néon, a donc une emprise limitée sur le paysage urbain. Ces méthodes ne sont pas généralisées, car elles posent des difficultés techniques et représentent un lourd investissement. Limitées en nombre, elles sont souvent concentrées dans les rues les plus animées et les quartiers centraux. Seuls les néons représentent une avancée, tant en qualité qu’en quantité produite.

  • La révolution du néon (1929)

         Le néon est inventé par George Claude (1870-1960), un chimiste français, dans les années 1910. C’est un dispositif qui fait passer de l’électricité dans un tube chargé de gaz qui produit une lumière colorée. D’abord utilisé en Europe, il est développé aux États-Unis qui le diffusent ensuite en Chine. La société de publicité « Claude Neon Lights »  l’introduit en 1929 à Shanghai, qui devient la capitale asiatique de la publicité lumineuse. C’est un club de jazz américain, « The Little Club», très en vue dans les concessions, qui achète pour la première fois le néon. Bientôt, celui-ci se diffuse au-delà des grands groupes industriels et se généralise à de nouveaux secteurs d’activité (les secteurs de la restauration, les services nocturnes, mais aussi tous types de commerces : les pharmacies, les hôpitaux, les épiceries).

On observe alors une multiplication des publicités éclairées. En 1933, la plus grosse entreprise chinoise édifie plus de 5 000 néons en Chine, dont 2 000 néons à Shanghai. On observe une double logique spatiale : une polarisation des néons dans les quartiers les plus animés, avec une agrégation autour de l’avenue Édouard VII, et, dans le même temps, une dissémination dans l’ensemble de la ville, surtout à l’ouest, dans les quartiers résidentiels. Le néon s’incruste désormais dans l’architecture et crée l’identité du bâtiment moderne, qui accueille les entreprises de prestige. Le néon s’installe notamment à l’intérieur des bâtiments (les pistes de danse du Paramount Ballroom et le parc d’attractions Luna Park) et produit un nouveau rapport à la nuit, participe à la réputation de Shanghai et témoigne d’une spectacularisation du quotidien (Schwartz, 1999). Les édifices les plus spectaculaires entrent dans les manuels de publicité : en 1938, c’est le cas de la rue Yu Ya Ching et de l’avenue Édouard VII.

Le succès du néon est multifactoriel : il représente une nouveauté et une modernité, permet une flexibilité du message (on peut créer des lettres, des symboles et des caractères chinois). De nombreuses couleurs sont disponibles et le néon s’adapte à plusieurs types de supports (les enseignes, les panneaux, les horloges, les camions de livraison). Le néon est visible de jour comme de nuit et est accessible économiquement. Sa faible dangerosité, alliée à des économies relatives d’énergie, complète cette attractivité.

  • Les acteurs cachés de la révolution lumineuse : l’industrie chinoise du néon

On distingue trois temps dans l’industrie chinoise du néon :
– de 1929 à 1931, on assiste à un décollage de l’industrie, malgré un nombre limité d’entreprises

– de 1931 à 1933, représente un boom de l’industrie, avec une multiplication des start-up et une nouvelle génération d’entreprises chinoises animées par de jeunes ingénieurs chinois formés aux États-Unis

– à partir de 1933, le pays connaît une période de crise, avec une disparition des entreprises les plus fragiles (avant 1933, on compte quarante-quatre entreprises, et plus que quinze en 1936).

         À partir de 1930, les entreprises chinoises lancent de nombreux projets, malgré des moyens limités et des partenariats incertains, fondés sur des réseaux familiaux. Les prix baissent, car ces nouveaux entrepreneurs chinois dépendent de moins en moins des importations et emploient localement. Eastern Neon Dong Tang devient le leader chinois et marque l’émergence d’une nouvelle industrie située au croisement entre la publicité, la chimie et l’électricité. L’industrie du néon met l’accent sur le professionnalisme (développer la profession d’ingénieur), le patriotisme (produire des biens nationaux) et le paternalisme (se soucier du bien-être des employés). Le néon se standardise et les modalités des contrats évoluent, avec pour la première fois une possibilité de location qui généralise des logiques de commerce libérales.

À partir de 1941 cependant, suite à la crise de Pearl Harbor, une pénurie d’énergie rend la situation plus difficile pour l’industrie du néon. Et la guerre civile (1947 – 1949) y met un coup d’arrêt. Un couvre-feu est imposé et les néons doivent être débranchés du réseau électrique. Après la guerre, le retour du néon est très progressif, mais l’élimination de la compétition étrangère et les Jeux athlétiques de 1947 redonnent un coup de départ à une production nationale. En 1956, la nationalisation de l’industrie impose une importante réorganisation de l’industrie publicitaire et consacre la période d’avant-guerre comme l’âge d’or de la publicité lumineuse.

Conclusion

La publicité lumineuse, aux formes variées, préexiste certes aux néons, mais ceux-ci introduisent un saut à la fois quantitatif et qualitatif. On constate, de surcroît, que si les étrangers introduisent le néon, ce sont les entrepreneurs chinois qui le popularisent.

Propositions de lecture

Armand, Cécile. « Negotiating advertising aesthetics in early twentieth-century Shanghai ». In Aesthetic Perceptions of Urban Environments, édité par Arundhati Virmani, London: Routledge, 2021, pp. 99-126.

Henriot, Christian. « Fiction and the City. A visual and spatial reading of three Shanghai novels | Virtual Shanghai ». Virtual Shanghai, 2007. Disponible en ligne : https://www.virtualshanghai.net/Texts/Articles?ID=55 (dernier accès le 23 mars 2022).

Le Gallic, Stéphanie. « De La Circulation à l’appropriation. La Patrimonialisation Du Paysage de Néon Aux États-Unis ». In Electric Worlds / Mondes Électriques : Créations, Circulations, Tensions, Transitions (19th–21st C.), édité par Léonard Laborie, Pierre Lanthier, et Stéphanie Le Gallic, 1903‑1921. Brussels : Peter Lang, 2016. http://sbiproxy.uqac.ca/login?url=https://international.scholarvox.com/book/88845438.

Plateforme de recherche sur la publicité en Chine moderne MADspace : https://madspace.org/

L’ensemble des images est issu du diaporama de la présentation de Cécile Armand, disponible en version pdf : https://sharedocs.huma-num.fr/wl/?id=GAwIGirzZjkKTw7Qd6XzwLZGmrpzFVoU

Compte-rendu de l’exposition “Ultime combat”

28 septembre 2021 — 18 janvier 2022

Musée du Quai Branly – Jacques Chirac

Marucheau de Chanaud Maud

Master II Territoires et Développement – Mention Territoires, Espaces, Sociétés

Du 28 septembre 2021 au 16 janvier 2022 s’est tenue l’exposition « Ultime combat », une exposition dédiée aux arts martiaux d’Asie et à leur évolution. Organisée par le Musée du Quai Branly – Jacques Chirac dans le cadre de l’Olympiade culturelle de Paris 2024, cette exposition est le résultat de la participation du musée de l’Armée, du Musée national des arts asiatiques – Guimet et d’organismes étrangers tels que le musée Rietberg de Zurich ou la Bruce Lee Fondation de Los Angeles.

La richesse de cette exposition réside dans sa grande diversité, avec plus de 464 œuvres à la fois anciennes et contemporaines, de nombreux supports visuels, ainsi que divers portraits de personnages emblématiques mis en valeur par des jeux de lumière. « Ultime combat » invite le visiteur à vivre l’évolution des différents arts martiaux à travers un parcours immersif.

            Tout d’abord, l’exposition entend retracer les origines des arts martiaux d’Asie. Elle s’ouvre sur une première salle réservée aux arts martiaux hindous et bouddhiques dépeints dans les récits mythologiques, les épopées et autres mises en scène de combats célestes. En effet, les premiers textes religieux indiens appelés Veda, datant d’entre 1.500 et 500 av. J.-C, montrent des arts martiaux initialement associés à des combats mythiques impliquant des dieux guerriers tels que Vishnou. Ces derniers s’attèlent à vaincre des démons afin de maintenir l’ordre de l’univers. Ces épopées hindous et bouddhiques témoignent inéluctablement d’un art martial au service du combat et de la guerre.

A contrario, en Chine, l’avènement du kungfu signe l’arrivée d’un art convoquant une puissance, certes, physique mais surtout spirituelle, laquelle est renforcée par la méditation bouddhique ou la quête de longévité taoïste. L’exposition insiste alors sur le lien entre paysage et kungfu : l’équilibre corporel et l’équilibre des éléments naturels constituant la condition sine qua non afin de repousser les limites de la force physique. L’imaginaire collectif associe les arts martiaux asiatiques à ces figures acrobatiques à la frontière du fantasmagorique, à ces protagonistes portés par l’élément du vent.

Quant aux arts martiaux japonais, ils s’inscrivent dans la lignée de la figure du guerrier samouraï et du code samouraï nommé le Bushidō (武士道). Les valeurs des arts martiaux japonais sont notamment incarnées dans l’Harakiri (腹切り) qui consiste à se donner la mort dans l’honneur au cours d’un rituel. Une citation du guide pratique et spirituel reconstituant la doctrine de l’ancien samouraï Jocho Yamamoto figure notamment sur les murs de l’exposition afin d’illustrer les valeurs du code samouraï : « La vérité de la Voie du samouraï, c’est la mort. Lorsque l’alternative entre vivre et mourir se présente, il faut choisir, sans hésitation, la mort ». Après avoir mis en lumière l’âge des Ronin, des samouraïs sans maîtres et sans guerres, pendant la période d’Edo (江戸時代) entre 1600 et 1868, l’exposition ne manque également pas de mettre à l’honneur des guerriers de genre féminin. Une salle est notamment dédiée à ces figures féminines guerrières telles que Lady Yakuza du film de Kōsaku Yamashita (1968) ainsi qu’à l’Impératrice Jingū ayant porté la conquête des Trois Royaumes de Corée en 200 de notre ère.

L’exposition se clôture donc sur la déchéance des samouraïs et la poursuite de cet imaginaire véhiculé par les robots japonais avec leur armure de samouraïs futuristes qui se livrent à des combats de sabre comme Goldorak. Pour conclure, le visiteur s’est vu introduire, au cours de ce parcours immersif, aux différents mythes et héros en Asie au le prisme des arts martiaux.

            Toutefois, des moines Shaolin à Bruce Lee, l’exposition s’attèle à souligner la dimension idéologique des arts martiaux asiatiques. En l’occurrence, le kungfu incarne une idéologie politico-religieuse. Ces représentations vont au-delà de simples combats et permettent d’analyser la mise en scène du religieux et du politique à travers les arts martiaux. De la mise en valeur de la religion hindouiste, à travers des combats mythiques, à la mise en scène de la lutte contre l’oppression aux Etats-Unis, à travers la figure de Bruce Lee, l’exposition ne manque pas de montrer l’entrelacement entre religion, politique et arts martiaux en Asie.

            Malgré le prisme cinématographique comme fil conducteur de l’exposition, la stratégie scénographique parvient à créer un univers à part entière et donne à vivre une expérience culturelle et visuelle au visiteur. Après avoir voyagé à travers la première salle dédiée aux arts martiaux en Inde, une porte de forme ovale, semblable à la Porte de Lune des jardins chinois, s’offre au visiteur et lui donne une vue sur un extrait du film The New Shaolin Boxers (1976). Sur ce même principe, ce portail marque le passage d’un univers à un autre, et guide le visiteur vers une initiation aux arts martiaux chinois. Chaque salle immerge ce dernier dans un nouvel univers, dans un nouvel art martial.

Cette immersion dans les arts martiaux asiatiques est favorisée par les nombreux supports visuels proposés le long du parcours, à savoir trente-six extraits de film. En effet, au XXème siècle, le cinéma a permis la popularisation des arts martiaux asiatiques, notamment du kungfu. De La Mante religieuse de Lau Kar-leung (1978), à The Grandmaster de Wong Kar-wai (2013), en passant par la Fureur du dragon avec Bruce Lee (1973), ces classiques du cinéma d’arts martiaux traversent les générations et sont mis à l’honneur dans le cadre de cette exposition. Une salle entière est même consacrée au légendaire Bruce Lee, dont les éclats de voix et les chorégraphies sont diffusés sur un éventail de panneaux lumineux. Représenté sur des affiches en langue japonaise ou encore sur la première page d’un magasine anglophone, Bruce Lee s’affirme comme le porte-étendard du kungfu et en incarne la dimension internationale.

            Ce jeu entre des supports visuels traditionnels tels que les sculptures et les estampes, et des supports plus ludiques, tels que les jeux de cartes, les extraits cinématographiques et les figurines de héros de la culture populaire comme Songokû du manga Dragon Ball Z, rend cette exposition accessible à tout public. Parfois au contenu sensible, des extraits de films, comme ceux du réalisateur Akira Kurosawa, sont proposés dans des espaces en marge du parcours principal. Le fait que cette exposition s’adresse à tout public transparaît également dans la forme que prend sa fin, puisque la dernière salle est dédiée à des jeux d’arcade en accès libre en partenariat avec l’association MO5.COM. Le visiteur peut alors s’adonner à des jeux mythiques tels que Street fighter et contempler des figurines exposées telles que celles des célèbres robots Gundam. Ainsi l’exposition « Ultime combat » se clôture sur des emblèmes transgénérationnels de la culture populaire.

            Finalement, cette exposition offre au visiteur une immersion exceptionnelle dans les arts martiaux d’Asie à travers leurs philosophies et leurs représentations.

Compte-rendu de séance: « De l’intention picturale à la conception spatiale. Ji Cheng, Wen Zhenheng, Li Yu et leurs traités des jardins »

Hongyue Liu Deguillaume (EPHE), intervention du 17 novembre 2021

Rédigé par Yongchen PAN, M1 Art, littérature et langage à l’EHESS

Lors de la deuxième séance du séminaire d’Histoire de la culture visuelle en Asie orientale de l’année 2021-2022 intitulée « De l’intention picturale à la conception spatiale. Ji Cheng, Wen Zhenheng, Li Yu et leurs traités des jardins », nous avons accueilli Madame Hongyue Liu Deguillaume, architecte praticienne dans les domaines du paysage et de l’urbanisme et doctorante en histoire de l’architecture et des jardins chinois de l’EPHE, qui nous a présenté une partie de sa thèse en cours de préparation sur l’art du jardin dans la région du Jiangnan 江南 au XVIIe siècle. Les recherches d’Hongyue Liu Deguillaume sont consacrées au lien entre les pensées historiques chinoises du paysage et leur usage dans l’agencement du jardin traditionnel. Nous avons ainsi appris comment les idées traditionnelles du paysage se reflètent dans les peintures et la littérature et comment ces œuvres conceptuelles contribuent ensuite à l’aménagement réel du paysage.

Hongyue Liu Deguillaume a choisi la région représentative du Jiangnan comme zone géographique d’étude. Cette région englobe aujourd’hui plusieurs villes situées sur le Grand canal Pékin-Hangzhou dont le sud du Jiangsu 江蘇, Shanghai上海 et le nord du Zhejiang 浙江 ; à l’époque, elle rassemblait de nombreux lettrés qui partageaient une même culture. On parle donc de l’école de Wu 吳 pour évoquer leurs productions artistiques et littéraires. Au XVIIe siècle, pendant la transition entre les dynasties Ming 明 [1368-1644] et Qing 清 [1644-1912], l’affaiblissement du contrôle du gouvernement sur la société locale a contribué au développement économique rapide de la région et à sa prospérité culturelle, notamment en matière de peinture, de littérature, de théâtre, d’architecture ainsi que d’aménagement de jardins paysagers. Dans ce contexte, trois paysagistes et leurs traités sur la construction et l’aménagement du jardin ont retenu notre attention.

Ji Cheng et le Traité du jardin

Ji Cheng計成 [1582-1642] est le premier auteur que Hongyue Liu Deguillaume nous fait découvrir. Né pendant la dixième année du règne de Wanli 萬曆 (1582) dans la région de Suzhou 蘇州, Ji Cheng a é té influencé dès son plus jeune âge par l’environnement géographique et l’atmosphère familiale au niveau artistique. Après avoir voyagé en Chine pendant plusieurs années dans sa jeunesse, il est revenu dans son pays natal à l’âge mûr pour s’installer dans la ville de Zhenjiang 鎮江. Ces expériences lui ont donné la base de ses idées ultérieures sur la conception des jardins. En outre, Ji Cheng a étudié la peinture dès son plus jeune âge et a particulièrement admiré les peintres Jing Hao 荊浩 [ca. 850-911] et Guan Tong 關仝 [ca. 907- 960]1. La technique consistant à réaliser « des monts et des eaux » (shanshui 山水) tridimensionnels sur une surface plaine dans leurs peintures influence également la présentation du paysage de Ji Cheng dans l’espace matériel.

Yuan Ye, Ji Cheng (Copie manuscrite de la période Edo).2

Son Traité du jardin (Yuanye 園冶) a été écrit en 1633 en rassemblant toutes ses idées sur la conception de la construction de jardin. Il s’agit du plus ancien traité systématique sur la pensée de l’aménagement du jardin en Chine. À travers une douzaine de chapitres et 235 illustrations, Ji Cheng décrit précisément dans ce livre les méthodes de l’aménagement paysager et les détails de l’agencement jardinier. Le traité de Ji Cheng repose sur la notion d’intention(xin 心) et de règle (fa 法). La première notion met l’accent sur les idées du paysage et l’intention picturale et la seconde se concentre sur la technique artisanale et le savoir-faire conventionnel. L’objectif est de faire en sorte que le paysage artificiel ressemble à celui de la nature.

La conception du jardin d’Estompe (Ying yuan 影園) 3, dont le nom lui a été donné par son propriétaire Zheng Yuanxun 鄭元勛 [1598-1645], est la matérialisation la plus représentative des traités de Ji Cheng. Afin de créer un paysage vallonné à Yangzhou 揚州, qui est située dans une plaine, Ji Cheng s’est inspiré de l’ambiance du sentier montagnard en profitant de la hauteur de différentes plantes telles que le pin, le sapin, le prunier et l’abricotier pour imiter les ondulations des montagnes. L’une des méthodes, dite « des hauts et des bas » (gaodi 高低), permet aux jardins d’atteindre une sorte de diversité topographique et d’obtenir un effet de « dynamisme » (shi 势).

L’« emprunt » est un autre outil essentiel dans la pratique paysagère de Ji Cheng, qu’il explique en détail dans le dernier chapitre du livre, intitulé l’« emprunt de paysage » (jiejing 借景). Cette technique se retrouve souvent dans la conception des jardins de Suzhou et de lieux proches. Dans le cas du Jardin du séjour des Joies (Jichang Yuan 寄暢園) à Wuxi 無錫, par exemple, le paysage de la lointaine montagne Xishan 錫山est astucieusement emprunté et intégré à la conception du jardin intérieur, de sorte que le paysage du jardin est étendu à l’infini à l’aide du paysage naturel, rendant l’espace du jardin initialement limité infiniment profond et large. Il existe d’autres méthodes pour agrandir la perspective même dans un petit espace : la présence de bambou à l’entrée du jardin Geyuan 个园 de Yangzhou qui crée l’effet d’une forêt de bambou derrière le mur en est un exemple.

Paysage de Xishan vu du jardin du séjour des Joies à Wuxi. Source : ZHOU Hongjun周宏俊, SONG Lin宋霖, HUANG Xiao黄晓, « Jichang yuan de zaoyuan huanjing yu jiejing tanyuan 寄畅园的造园环境与借景探原 » (Exploration de l’environnement de jardinage et des paysages empruntés du Jardin du séjour des Joies), Fengjing yuanlin 風景園林, n° 11 (2018), p. 28.

Wen Zhenheng et le Traité des choses superflues

Le deuxième auteur que Hongyue Liu Deguillaume a évoqué est Wen Zhenheng 文震亨 [1585-1645], un contemporain de Ji Cheng, dont la renommée et le statut familial étaient très élevés à l’époque. Arrière-petit-fils du peintre et calligraphe Wen Zhengming文徽明 [1470-1559], Wen Zhenheng a hérité des réalisations artistiques de sa famille et s’est également spécialisé dans l’aménagement du jardin. Grâce à des années d’expérience vécue au sein des jardins de sa propre famille, il a résumé ses acquis dans le Traité des choses superflues (Changwu zhi 長物誌), visant à fournir une discussion plus détaillée sur la planification des jardins. Par rapport au Traité du jardin de Ji Cheng qui portait sur les aspects techniques de construction, le Traité des choses superflues accorde plus d’attention aux matériaux du jardin à partir des objets quotidiens, tels que les fleurs, les arbres, les oiseaux, les poissons, les mobiliers, les rochers et les eaux, dans le but d’intégrer les objets dans le paysage et afin que l’ensemble du jardin ressemble à un tableau naturel et que les gens aient l’impression d’être dans la peinture. Le mode de vie spirituelle des lettrés de l’époque est inscrit dans ce livre.

Wen Zhenheng a également exposé sa pensée sur la résidence idéale. Il classe un habitat « dans des monts et des eaux » (ju shanshui jian 居山水間) en première catégorie, suivi du village, puis de la campagne et enfin de la ville. Le point central de la théorie de Wen Zhenheng porte notamment sur la façon d’aménager son habitat dans un site urbain. L’auteur a souligné l’importance de s’adapter au terrain lors de la construction de l’architecture du jardin, et de suivre la nature dans le placement des éléments dans le paysage de sorte que les objets artificiels et le paysage naturel se fondent harmonieusement. Lors de l’aménagement concret du jardin, il a choisi de séparer l’avant et l’arrière du patio par la disposition de roches formant une paroi et de planter des bambous ou d’autres plantes pour ombrager le lieu en été. C’est ce qu’on voit dans la peinture de Wen Zhengming Préparation du thé au Pavillon du Bosquet (Linxie jiancha tu 林榭煎茶圖)4. La paroi peut être obtenue en plaçant simplement des pierres devant le bâtiment ou en construisant des murs façonnés par des rochers. Ce genre de disposition5 profite du relief, des pleins et des vides pour créer une hiérarchie visuelle : son objectif est de donner l’impression d’être à la montagne. Dans une autre œuvre, Adieu aux nuages immobiles (Tingyun yanbie tu 停雲言別圖) réalisée par le même peintre en 1531,les différents types de végétation créent un échelonnement des strates différentes. Et le placement de formes de pierres variées enrichit la profondeur du paysage. Les hiérarchies visuelles dans ces peintures ont influencé la conception dans l’aménagement des jardins de Wen Zhenheng par la suite.

Wen Zhengming (1470-1559), Préparation du thé au pavillon du Bosquet. Musée de Tianjin.

Li Yu et les Notes au gré d’humeurs oisives

Li Yu 李漁 [1611-1680] était très connu de son temps, il brillait dans les domaines de la littérature, du théâtre, de la gastronomie et de l’art du jardin. Il a passé son enfance à Rugao 如皋 et a aménagé son premier jardin, le jardin Yi (Yi yuan伊園), en 1647, dans le pays d’origine de ses ancêtres à Lanxi 蘭溪. Li Yu s’est installé à Nankin en 1661 (à la fin de la dynastie des Ming du Sud 南明 [1644-1662])6 et a construit le Jardin Graine de moutarde (Jiezi yuan 芥子園)7 au sud de la ville, qui deviendra sa résidence principale. Les Notes au gré d’humeurs oisives (Xianqing ouji 閒情偶寄), rédigées en 1671, constituent son œuvre la plus importante, qui traite dans la première moitié de la théorie du théâtre et dans la deuxième de l’aménagement du jardin. Elle inclut également des descriptions de son expérience lors de la construction du Jardin Graine de moutarde.

D’après lui, l’aménagement du jardin est axé sur la découverte des paysages autour de nous : toutes les vues sur de petits paysages peuvent être considérées comme une peinture. Il utilise habilement la fenêtre comme le cadre de cette « peinture », incorporant la vue du jardin à l’extérieur dans l’espace intérieur du tableau. La peinture des arbres sur le papier de la fenêtre de son bureau et la rocaille du Pavillon Boire à l’Esprit Ouvert (Fuba xuan 浮白軒) située derrière la fenêtre donnent l’impression d’être dans la nature. Les théories de Li Yu insistent sur la recherche de la beauté dans la vie; l’intention et le sentiment du créateur sont plus importants que la valeur du matériau lui-même. Ses nombreuses années de voyage lui ont permis de comprendre toutes les classes de la société et il considère que tous les gens, riches et pauvres, devraient avoir le goût de la beauté et pouvoir en profiter grâce à la créativité.

Conclusion

Hongyue Liu Deguillaume conclut cet exposé par une citation de Dong Qichang 董其昌 [1555-1636], qui dit : « On peut peintre un jardin, on peut aussi composer le paysage d’un jardin comme la pratique d’une peinture » (園可畫,畫可園). Avec le paysage shanshui 山水 comme source de création, les lettrés de cette période, dont ces trois paysagistes jardiniers de la région du Jiangnan, combinaient la peinture et le jardinage, utilisant l’intention picturale pour orienter la conception spatiale, consignant leur sensibilité esthétique et leur expérience technique par écrit.

En raison des contraintes de temps et du fait que la recherche d’Hongyue Liu Deguillaume est un travail en cours, elle conclut en mentionnant des thèmes qui n’ont pas été explorés cette fois-ci, comme l’installation de bâtiments inspirée de la peinture, le principe de peinture utilisée pour composer le paysage végétalisé et les techniques de la disposition des pierres. La difficulté de la pratique paysagère est que savoir peindre ne signifie pas savoir aménager un jardin.

Bibliographie :

Sources primaires

JI Cheng 計成, Yuanye 園冶 (Traité du jardin). Xi’an, Sanqin chubanshe, 2021.

WEN Zhenheng文震亨, Changwu zhi長物誌 (Traité des choses superflues). Hangzhou, Zhejiang renmin yishu chubanshe, 2016.

LI Yu 李渔, Xianqing ouji 閒情偶寄 (Notes au gré d’humeurs oisives). Shanghai, Shanghai guji chubanshe, 2000.

Sources secondaires

CHEN Jianxin 陳建新, Li Yu zaowu sixiang yanjiu李漁造物思想研究 (Étude du concept de création chez Li Yu), Wuhan, Wuhan daxue chubanshe, 2015.

CLUNAS Craig, Superfluous Things, Material Culture and Social Status in Early Modern China, Honolulu, University of Hawaii Press, 2004.

GE Jing 葛靜, Zhongguo yuanlin goucheng yaosu fenxi 中國園林構成要素分析 (Analyse des éléments constitutifs des jardins chinois), Tianjin, Tianjin kexue jishu chubanshe, 2018.

SUN Wenbiao 孫文飚, « Mingdai zaoyuan zhuanjia Ji Cheng 明代造园专家計成 » (Ji Cheng, l’ expert en aménagement de jardins de la dynastie Ming), Jiangsu difangzhi 江蘇地方誌, n°4 (2001), p. 35-36. (http://58.213.139.243:8088/imgpath/zz2/200104/HTM/13.HTM, dernier accès 05/02/2022)

ZHANG Tao 張濤,« Jicheng yu yingyuan 計成与影园 » (Ji Cheng et le jardin d’Estompe), Jiangsu difangzhi 江蘇地方誌, n°6 (2004), p. 41-43.

(http://58.213.139.243:8088/imgpath/zz2/200406/HTM/19.HTM, dernier accès 12/02/2022)

1 Les années de naissance et de mort de Jing Hao et Guan Tong sont inconnues, les dates ici correspondent approximativement aux hypothèses académiques.

2 Le livre a été achevé la quatrième année de l’ère Chongzhen崇禎 [1631] et gravé en 1634. Il a ensuite été importé au Japon. Dans les années 1930, Zhu Qiqian 朱启钤 [1871-1964], le fondateur de la Société pour l’étude de l’architecture chinoise (Zhongguo yingzao xueshe中國營造學社), a trouvé un exemplaire du livre au Japon qui est une copie de la période Edo (https://hongyeshan.com/post/294.html, dernier accès le 11/01/2022)

3 Le terme « estompe » est une traduction du caractère chinois ying影 selon Hongyue Liu ; il est tiré de l’une de ses significations : « images floues » (模糊的影像) utilisée pour décrire les impressions du propriétaire du lieu Zheng Yuanxun sur le jardin : « le site se situe en effet parmi les estompes des saules pleureurs, de l’eau et du mont » (地蓋在柳影水影山影之間).

4 L’année de réalisation de la peinture n’est pas connue, son inscription se limitant à mentionner le jour et le mois (13e jour du quatrième mois lunaire).

5 Hongyue Liu a donné deux exemples dont l’un est une architecture de jardin nommé « les pièces montagnardes du Feuillet de Pierre » (Pianshi shanfang 片石山房), à Yangzhou et l’autre est « les pièces montagnardes des Jades Sonores » (Yuqing shanfang 玉罄山房), ainsi nommé par Wen Zhengming. Cet espace était son lieu de travail.

6 La dynastie des Ming du Sud se réfère aux régimes loyalistes Ming qui ont existé dans le sud de la Chine de 1644 à 1662 après l’effondrement de la dynastie Ming et la prise de Pékin par les armées du rebelle Li Zicheng李自成 [1602-1645], puis par les forces de la dynastie mandchoue Qing.

7 Le Jardin Graine de moutarde est un jardin arboricole de la municipalité de Lanxi, dans la province du Zhejiang.

Mercredi 16 février 2022

Nicolas Pinet (UMR CCJ-CRJ)

La représentation des classes et quartiers populaires dans le cinéma japonais (1920-2020) : essai de mise en perspective historique

Cette communication propose une analyse exploratoire de l’évolution des représentations des classes et quartiers populaires dans le cinéma japonais en la mettant en regard avec les transformations sociales et politiques des années 1920 à aujourd’hui. On montre ainsi que, pour des raisons qu’on détaillera, le rôle et la place centrale des classes populaires dans le Japon des années 1920-1930 et 1950 se doublent d’une forte présence à l’écran. À l’inverse, à partir du milieu des années 1960, avec la haute croissance, les classes moyennes acquièrent une centralité symbolique nouvelle dans la société japonaise, qu’on retrouve aussi au cinéma, conduisant à une relative marginalisation des « films sociaux », malgré des réalisations notables.
L’éclatement de la bulle spéculative au début des années 1990 et la « redécouverte » des inégalités sociales au tournant du siècle se traduisent par un retour parallèle de la « question sociale » sur les écrans. Pour constituer un corpus plus restreint et homogène, seront considérés de manière préférentielle les films de fiction dont les protagonistes sont les classes populaires contemporaines urbaines vivant dans les quartiers populaires du nord-est de Tokyo.

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